2.
lunes, 18 de junio de 2012
Ejercicios tonalidad.
Bocetos realizados con el profesor Juan Peña prestando le importancia al color. Pinceladas grandes, con una paleta repleta de colores primarios.
Proyecto personal
Danza y Pintura
Todo nace a partir de una acción.
Movimientos fijados
Todo nace a partir de una acción.
La
performance se desarrolla en una sala alargada como pieza fundamental . Una
proyección múltiple en paredes de izquierda a derecha y suelo . Sintiéndose así
el espectador dentro de la acción. Presento una coreografía con un único cuerpo
en movimiento fijando en dos
lienzos al mismo tiempo la danza. A su vez los telares, compuestos por lino,
miden cinco metros de ancho por dos metros de alto. Ocupando uno la parte
vertical de la pared del fondo del salón, y otro el suelo.
Utilizo
el arte de acción para poder llegar al
interior del espectador de manera mas penetrante. Para ello me sirvo de la
danza como herramienta principal y así poder dibujar con mi cuerpo todo lo que
quiero decir. Interesándome por lo tanto las funciones corporales. En concreto
la danza contemporánea. Marta Graham (1894 – 1991 ) bailarina estadounidense ,
fue una de sus principales propulsoras , haciendo su estilo único de danza
moderna con la que reflejaba el arte moderno de su época.
Estilo
reconocido por su característica técnica de contracción y relajación , caída al
piso controlada , saltos del hombre , desarrollo de imágenes que van con los
movimientos.
En
sus obras “ Frontier ” y “ Appalachian
Spring “ la coreógrafa reflejaba la
vida cotidiana del pueblo estadounidense.
Graham se concentró en el torso como
fuente de vida , como motor .
En la danza clásica todo es abierto
, rotado hacia afuera ( en dehors ) Martha lo hizo cerrado y en paralelo ;
contracciones y estiramientos.
Respiración instrumento fundamental
durante la practica del trabajo.De Contracciones. El desplazamiento del peso del cuerpo es la clave del
movimiento.
Por
otro lado las técnicas pictóricas como la pintura nos han ayudado a lo largo de
los siglos para dejar fijado el pasado , un pasado con grandes altibajos.
Épocas
de idealismo como en la antigua Grecia , o expresionistas como la de Monet.
Así
me he ayudado de un elemento primordial en toda pintura
“
pigmento “ para fijar mis movimientos y
así poder disponer de ellos sin tener que forzar la memoria , ahora simplemente
se pueden ver al estar delante del enorme lienzo perdiéndote en los movimientos
, pudiendo imaginarte la coreografía apoderándose del espectador.
Mayor
extensión para mejor capacidad de movimiento.
“ Los brazos y piernas pueden ser
usados para manipulaciones o traslados , la cabeza para decisiones , juicios .
Pero todo , cada emoción , se hace visible primero en el torso . El corazón
late y el pulmón se llena , allí esta el aire y con el la vida”
“Un
bailarín es realista , su arte le enseña a serlo. No importa si el pie esta en
punta o no , ningún sueño lo pondrá en puntas por vosotros. Para ello se
necesita disciplina no sueños”
Guia Docente
La
asignatura Metodología Lenguaje y Técnica Creación Obra Pictórica y
Conservación durante el curso 2011-2012 se ha desarrollado de una manera un
tanto especial. Tan especial que las cosas enseñadas se pueden contar con la
mano.
Es cierto que
no es culpa de nadie en concreto, como siempre por la mala organización del
sistema, o propia entre el profesorado correspondiente al departamento de
pintura.
Ha comienzos
de curso se nos informa de la baja de nuestro profesor asignado, y nos exponen
la idea de tener diferentes profesores con teorías diferentes; muy enriquecedor
si hubiere estado bien organizado, pero no es el caso.
Una
asignatura ambiciosa, con una carga lectiva importante con mil técnicas que
comprender, aprender y nada económica con el paso del tiempo.
Las cosas
deben cambiar por parte de todos. Incrementando la solidaridad,
responsabilidad, valores muy importantes al borde de la extinción.
En mi caso
no he considerado apropiado hacer un comentario sobre que me parece la guía
docente. Mejor exponer los fracasos de este curso para evitar desastres como
este las décadas siguientes.
Por cierto la guía me parece estupenda, esta
bien tener unas bases aunque apuesto mas por los profesores. Ellos, y no otras
personas saben lo que pueden prestar a sus alumnos y si no tienen que seguirla
por que no lo ven adecuado este bien cambiar de método.
Aunque no
todo es negativo. Es cierto que algunos profesores si que han intentado
enseñarnos algo, aunque hayan precisado de poco tiempo y ese esfuerzo se les
agradece.
domingo, 17 de junio de 2012
Markus Lupertz
Nació en
Republica Checa 1941. Pintor, escultor y escritor vinculado al neo
expresionismo.
Formo parte del grupo nuevos salvajes, siendo
de los más rebeldes e individualistas. Sus obras son de gran formato, repletas
de colorido y fuertemente expresivas.
Los temas que impregnan sus obras son de
carácter figurativos llevados a la abstracción; temas como los paisajes, el
cuerpo humano.
Utiliza una amplia variedad de géneros, técnicas y materiales
para adaptarlos a su propia realidad.
Hacia 1962
se acerca al expresionismo abstracto de Saura (pintura ditirámbica) alejándose
por las composiciones de la obra.
Con los setenta sin embargo se vuelve más
figurativo: Cruces rojas-ditirámbico (1967), Casco III-ditirámbico (1970). Duda
entre representación formal y expresividad informalista, necesita técnica
formal a la vez libre. "Comida
del filósofo" II (1985).
Jeff Koons
Jeff nació
en York Pennsylvania 1995. Artista pionero Sera en utilizar agencias de
publicidad para fomentar su imagen. Al igual que Andy Warhol tiene un taller
con unas treinta personas trabajando para el (The Factory).
Se caso con
una actriz pornográfica italiana Llona Stalle, con la que tiene un hijo. Actualmente viven
por separado, algo que se ha hecho evidente en el artista. Le afecto mucho la
marcha de su hijo de ahí la creación de su gran obra dedicada a él.
Jeff Koons
está entre los artistas vivientes más cotizados de los Estados Unidos.
Sus
creaciones se podrían considerar como minimalistas, neo pop. Abundan las
porcelanas, chicas pin-up, globos hinchables. Utiliza objetos cotidianos y de
valor mínimo para conseguir su objetivo. Sus piezas evocan burlas directas a la
población influenciada por la publicidad.
Es el rey
del kitsch, aunque la mayoría de sus obras van al corriente del arte conceptual.
Gregor Shneider
Artista
Alemán nacido el 5 de abril de 1969, en Rheydt. Es un profesional diferente. No
encaja en ningún estilo de arte contemporáneo, es inclasificable. Durante estos
años atrás, desde hoy día, se dedica a cambiar su casa constantemente. Crea
habitaciones sin salida, ventanas que no se abren, túneles, cloacas.
Su familia
tiene una fábrica de plomo. Material muy recurrido por el artista. Últimamente
experimente a menudo con el forrando paredes de plomo, suelos. Construyendo
cajas fuertes gigantes.
Gregor es
sin lugar a dudas un personaje singular. Crea su obra para si mismo, solamente
ha dejado entrar críticos de arte una vez. Durante el documental el periodista
le pregunta varias veces, ¿Por qué haces esto? ¿Que significa esta habitación
para ti? Se queda mudo, perplejo mirando al joven. Es como si todo surgiera de
la nada, una nada que siempre tiene necesidad de crear.
Sean Scully
Luz del sur
Sean Scully nació
en 1945 en Dublín. Su exposición presente en la Alhambra se fragmenta en tres
partes: siete pinturas de la serie Wall
of Light (2005- 2011), un conjunto de acuarelas, y tres series de
fotografía.
Pinturas de Scully a menudo están compuestas
de un número de paneles. Condensa la luz con el aceite iniciándose además en
pintura de borde duro finalmente
abandonada por la cinta adhesiva, pero siempre conservando su motivo
característico de la banda que ha desarrollado y perfeccionado con el tiempo.
Sus cuadros suelen incluir las construcciones arquitectónicas de las paredes
colindantes y los paneles de rayas pintadas.
En los últimos años ha aumentado
sus rayas de marca, desplegándose también un modo de patrones de composición
que recuerda a un tablero de ajedrez. Él ha declarado que este estilo
representa la manera en que Irlanda se ha movido hacia una sociedad más
cuadros. Declaró en 2006, "recuerdo que crecí en Irlanda y todo lo que
está a cuadros, incluso los campos y el pueblo."
Las fotos
carecen de horizonte o espacio alguno, simplemente son superficies de
diferentes materiales. Superficies erosionadas por el paso del tiempo, piedras
manchadas.
Manuel Rivera.
De Granada a Nueva York.
1946-1960.
La vida y
obra de Manuel Rivera se divide en cinco grandes etapas. Es fundamental en el
desarrollo del arte español de los años cincuenta, entre otras cosas por que
fue uno de los primeros pintores que llego a ser plenamente abstracto
manteniendo siempre el contacto con las nuevas corrientes del arte
contemporáneo. Sus obras son pura
reflexión sobre la materia, indagando siempre en torno a las posibilidades del
relieve. En el año 1957 continuo con el descubrimiento de las posibilidades
compositivas de las mallas metálicas, materiales humildes, texturas… Mientras
tanto en Paris surge el art brut y la estética devenir. Arte como medio de
expresión de lo interior. Estos artistas revelan la fuerza expresiva, belleza
de elementos como la arena, hierros…Rivera se encontraba entonces muy atraído
por el mundo tridimensional.
La
exposición en si narra por medio de cinco capítulos como se desarrollo la vida
del artista en el arte español e internacional de la época.
1946-1954:
GRANADA
Tras varios
años en su tierra natal su obra estaba demasiado ligada a los maestros de la
zona y sentía la necesidad de buscar nuevas formas de expresión. Poco a poco se
convirtió en toda un personalidad del mundo del arte granadino formando parte
de grupos como “La Abadía Azul”.
En 1951 comienza su primera pintura mural en
teatro Isabel la Católica continuando
con encargos como la capilla del pantano de Cubillas, o la sociedad La Peña.
A pesar de
su estancia en Granada cada vez esta mas pendiente de lo que sucede en Madrid.
1955-1957:
DE GRANADA A
MADRID.
En el año
1954 se muda a Madrid siendo su quehacer completamente abstracto. Descubre
multitud de posibilidades expresivas usando mallas metálicas superpuestas en
bastidores carentes de fondo. Sus obras renuncian a los elementos tradicionales
de la pintura. Ahora crea teatros de sombras.
1957 se
forma el grupo “El Paso” con pintores como Manuel Millares, Antonio Saura (…)
que ayuda a la introducción del informalismo en España con gran repercusión
nacional e internacional.
1957:
BIENAL DE
SAO PAULO
Este año y
1958 se convierten en fundamentales para su carrera por su presencia en la
bienal brasileña y veneciana. Las obras que muestra ahora son muy austeras cuyo
despojo proviene de su desinterés por el color.
1958:
BIENAL
INTERNACIONAL DE VENECIA, SALA ESPECIAL.
Tras el
éxito cosechado en Brasil, Rivera, fue invitado por Luis González Robles a
participar en la Bienal internacional de arte de Venecia; uno de los
principales acontecimientos artísticos
de los cincuenta. Se componía por diversas tendencias artísticas pasando
de lo representativo a lo matérico
abstracto.
1960:
NUEVA YORK
Este año el
artista granadino da su mayor espaldarazo tras su contratación en la galería
neoyorkina Pierre Matisse. Juan-Eduardo Cirlot firmó la presentación del
catálogo, donde escribió: «Manuel Rivera trabaja con telas metálicas,
recortadas, suspendidas, sobrepuestas, desgarradas, que originan espacios de
diversa intensidad, con retículas de variable finura y cuyos ejes y líneas de
sostén son como alambres de un aparato de función ignorada aún. Pero la
estética que se transparenta a través de estas obras similares a telas de araña
no es la tecnicista que pasa a través de tendencias como el constructivismo ruso.
Es la estética de los orientales, de los pueblos nómadas que cuelgan sus telas,
sus alfombras, sus tapices y sus horizontes, sus panoramas interiores y
exteriores, de unos palos provisionales como el alma humana que tenemos entre
los dientes. Manuel Rivera puede cambiar de materia e incluso de procedimiento,
pero deberá de conservar siempre ese sentimiento de lo errante y de lo
transitorio, mortal definitivo».
Pierre
Matisse fue fundamental para la difusión de la obra de Manuel en los Estados Unidos, tanto como para
exponer en museos como en el ámbito de coleccionistas privados. Otro momento
importante llego con el premio de la bienal de Pittsburgh.
Manuel
Rivera por aquellos entonces se consideraba ciudadano americano tanto como
español. En los consiguientes años continuara cosechando éxitos.
El fin del arte según Arthur D.Danto
Arthur D.
Danto profesor de filosofía y critico de arte,
desarrollo una teoría filosófica certificadora del fin del arte. Una teoría
malinterpretada en numerosas ocasiones, compuesta por una reflexión entre filosofía- arte en
general.
Danto en su
libro se muestra totalmente de acuerdo con la tesis de H.Belting; según la cual
el término de arte no fue adoptado por la población hasta 1.400 d.C. Danto dice
que las esculturas, mosaicos...etc. Creadas antes de esta fecha no son
consideradas arte por que el termino aun no estaba adoptado entre la población.
Así las personas creadoras no figuraban en la producción. Cuando los conceptos consideraciones
artísticas, estéticas comenzaron a emerger sucedió un cambio revolucionario en
la práctica cotidiana localizado por Danto entorno al 1.400 a.C. Ahora el
artista forma parte de las imágenes piadosas, desapareciendo la idea de su
origen divino.
Una vez
demostrado, mediante un estudio minucioso, un antes en el mundo del arte, Danto
apunta a una posible era después del fin del arte. No de una “muerte total” del
arte, sino del hacer obras sin relacionarlas a un periodo concreto. Esta época
del fin del arte se hace evidente en los críticos de arte. Han perdido la fe en
esta gran narrativa, para ellos no ha pasado nada interesante en estos últimos
treinta años. Las grandes narrativas no son posibles por que el concepto en el
que el arte se movió ha desaparecido del mundo del arte. Disponemos del arte
del pasado para manejarlo a nuestro antojo pero no del espíritu. Hoy el artista
organiza sus objetos como quiere, tano dentro del museo como fuera. Además de
ser independientes unos de otros. Este es el nuevo plano de conciencia en el
que según Danto nos movemos.
Según Danto
la filosofía moderna nació de la mano de Descartes; con su famosa regresión al
yo pienso. Por otro lado, en el campo del arte se percibe una época pre
moderna, donde los pintores ilustran el mundo, pintando personas,
paisajes…Hasta pasar a una era moderna de la mano de Manet, llegando a Cézanne.
El cambio desde el arte pre moderno al moderno fue el cambio desde rasgos de
pintura mimética a no mimética. Así el modernismo esta marcado por el ascenso a
un nuevo nivel de conciencia. Para Daton la modernidad es noción de estrategia,
estilo y acción.
Luego con la
llegada de la era del fin del arte la conexión entre arte y estética quedo
revelada como contingencia histórica. Para comprender esto es necesario
profundizar en la contribución decisiva del pop, con Andy Warhol a la
cabeza
La filosofía
materializaba en un manifiesto toda la verdad del arte. Pero con el fin de la
modernidad llego también el fin de los manifiestos
De las inteligencias múltiples a la educación personalizada
Este
documental cuenta como el ganador del premio príncipe de Asturias 2011, Howard
Gardner revolucionó la psicología con su teoría de las inteligencias múltiples.
Ofrece una entrevista entre el galardonado y Eduardo Punset en Avilés.
Su trabajo
repercutió en la mejora del sistema educativo pasando a ser una enseñanza más
personalizada; favorecedora para los alumnos.
Así ambos
durante la entrega del premio protagonizaron una conversación sobre las
inteligencias múltiples, las nuevas tecnologías, y el surgimiento de una manera
nueva y personalizada de educar a los niños.
Howard no es
el primer intelectual en reconocer la multiplicidad de talentos. Pero si el que
cuenta con una serie de criterios que permiten juzgar que es o no inteligente;
usar la palabra inteligencia en lugar de talento. ¿Por qué llamamos
inteligentes a las personas que son buenas con los números, talentosas aquellas
que dominan la música? Aun nadie ha sabido argumentarle bien esta pregunta.
Alfred Binet
creo el test de inteligencia hacia cien años, fue un gran logro. Goldman
trabajo sobre las inteligencias emocional y social. Por tanto el trabajo de
Gardner, y de este, han entrado a formar parte de lo que podríamos llamar el
conocimiento colectivo del planeta.
Howard pone
en duda nuestra aplicación a la palabra inteligencia. El por que se la
aplicamos a niños que son buenos en matemáticas, lengua, si luego estos no son tan buenos exponiéndose
ante un publico, relacionándose con personas diferentes a ellos. No podrán ser
inteligentes en otras áreas.
Cuestiona
además los test de inteligencia. No es necesario hacer un examen para saber tu
nivel, basta con mirar los resultados del curso anterior. Además de que
comparto con el intelectual, no se puede señalar a una persona de “tonta” por
dar en un simple test mala nota en matemáticas. Seguro dispone de otros
conocimientos mejores o simplemente diferentes. No todos tenemos que ser linces en ciencias para triunfar en la
vida. Lo importante es disfrutar con lo que haces, así dar el 100% todos los
días en desarrollar tus incertidumbres.
No solo
disponemos de una inteligencia, esto es falso, seria decir funcionamos con una
sola maquina en el cráneo. Podemos desarrollar inteligencias diferentes; ser
buenos en música, contenidos espaciales…
La educación
personalizada consiste en descubrir que es lo que verdaderamente le interesa a
cada alumno, como aprende, utilizar todos los recursos humanos y tecnológicos
que nos sirvan de ayuda.
En realidad los seres humanos si que somos diferentes unos de
otros. De aquí el nacimiento de la educación personalizada. T u no puedes
hacerle comprender a un niño que no le gustan las ciencias con otro que si de
la misma manera. Al que no le gusta terminara frustrándose, sintiéndose
estúpido. Ahora bien si te interesas por el crio y descubres que es lo que
verdaderamente le apasiona conseguirás sacer mucho de él, y lo mas importante
que aprenda.
Esto solo pasa desde hace dos décadas gracias, gracias entre
otros muchos sabios contemporáneos, a Howard Gardner profesor de Cognición y
Educación de la Universidad de Harvard.
Guía docente.
La
asignatura Metodología Lenguaje y Técnica Creación Obra Pictórica y
Conservación durante el curso 2011-2012 se ha desarrollado de una manera un
tanto especial. Tan especial que las cosas enseñadas se pueden contar con la
mano.
Es cierto que
no es culpa de nadie en concreto, como siempre por la mala organización del
sistema, o propia entre el profesorado correspondiente al departamento de
pintura.
Ha comienzos
de curso se nos informa de la baja de nuestro profesor asignado, y nos exponen
la idea de tener diferentes profesores con teorías diferentes; muy enriquecedor
si hubiere estado bien organizado, pero no es el caso.
Una
asignatura ambiciosa, con una carga lectiva importante con mil técnicas que
comprender, aprender y nada económica con el paso del tiempo.
Las cosas
deben cambiar por parte de todos. Incrementando la solidaridad,
responsabilidad, valores muy importantes al borde de la extinción.
En mi caso
no he considerado apropiado hacer un comentario sobre que me parece la guía
docente. Mejor exponer los fracasos de este curso para evitar desastres como
este las décadas siguientes.
Por cierto la guía me parece estupenda, esta
bien tener unas bases aunque apuesto mas por los profesores. Ellos, y no otras
personas saben lo que pueden prestar a sus alumnos y si no tienen que seguirla
por que no lo ven adecuado este bien cambiar de método.
Aunque no
todo es negativo. Es cierto que algunos profesores si que han intentado
enseñarnos algo, aunque hayan precisado de poco tiempo y ese esfuerzo se les
agradece.
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